Hoy voy a hablar de esta canción de Mägo de Oz que me emociona mucho, La Rosa de los Vientos.
Esta canción no es una canción cualquiera. Tiene un significado de amistad, de cariño, de apoyo hacia un amigo y un hombre luchador.
La Rosa de los Vientos, aquella Rosa que todos anhelamos poseer y que sin condiciones podemos sembrar y cultivar, mas solo algunos la podrán cosechar y cuidar, ya que lo que nos permite hacer un buen trabajo con esta Rosa, es nuestra VOLUNTAD y BUENA INTENCIÓN con todo aquello que emprendamos al momento de plantar esta Flor.
Si sembramos un ideal se debe ABONAR CON AMOR Y CONSTANCIA para que florezca un SER que nos arrope cuando algo vaya según lo contrario a lo esperado, eso dice la primera estrofa, que significa que todo lo que CREAMOS como ideal o principio, si de verdad creemos en él, con un poco de FIDELIDAD, AMOR Y CONFIANZA EN SI MISMO, se puede llegar a estructurar en nuestro interior, en nuestro VERDADERO SER.
“La VIDA ES UN JARDÍN”, lleno de Rosas, Flores, Árboles, Insectos, Animales, que de alguna manera influyen en nuestro desarrollo y crecimiento como seres humanos; en este JARDÍN hay SOMBRAS y LUZ, hay malezas oscuras y arbustos claros que permiten a la LUZ DEL SOL entrar en nuestros pastos, que son los CAMINOS que debemos recorrer, éstos no son fáciles ni complejos, solo depende de Nuestra PERSPECTIVA y de la CALIDAD de Rosa De Los Vientos que cultivemos en Nuestro Interior, ya que podemos tener una Rosa de colores vivos, con hojas verdes vivas de gran tamaño y con espinas gruesas, que no permitirán que nada ni nadie dentro del JARDÍN DE LA VIDA, lastime o perjudique a nuestra Rosa; sin embargo, también existen Rosas que se marchitan, que pierden el color de sus pétalos y caen con el correr del tiempo, y al final solo queda el rastro de un viejo y pobre tallo del cual solo hubo sospecha de que existió una bella Rosa, la cual no se supo cuidar y abonar con suficiente AMOR, ATENCIÓN y CONSTANCIA, además de FE, PACIENCIA y RESPETO.
Cuando la ENVIDIA o cualquier sentimiento negativo se apodera de Nuestro Ser, la Rosa cultivada germinará Raíces de un tono oscuro, que de seguro al pasar el tiempo terminará por destruir aquella Rosa, pues no conservará SU NATURALEZA de ser un SER que nos proteja ante todo daño y nos brinde su apoyo cuando llegue el momento de necesidad. También hay que destacar que Nuestra Rosa, no importa cuánto queramos arrancarla de su sitio, ésta jamás se moverá de su lugar, debido a que ES PARTE DE NOSOTROS, es Nuestra ESENCIA, Nuestro Verdadero Ser.
Rosa de Los Vientos, que también se puede llamar “veleta”, que se mueve según la fuerza del viento, pero nunca se va de su sitio, siempre permanece ahí, estática a pesar de todo…
Rosa de Los Vientos, Nuestra “BRÚJULA”, el SER encargado de GUIARNOS en el CAMINO DE LA VIDA, en el JARDÍN que nosotros mismos hemos plantado, y que a la vez SOMOS PARTE DE EL, pues la Rosa, Somos Nosotros Mismos, Nuestra Alma, Nuestro Interior.
Os dejo esta maravillosa canción. Disfrutar de ella
Como siempre, voy a hablar de un tema de Queen. Esta vez le tocó al tema One Vision.
Esta canción, escrita en 1985, forma parte del álbum A kind of magic.
Queen se inspiró en esta canción después de la euforia del concierto del Live Aid. La canción fue incluida en el Magic Tour ya que la consideraban perfecta para todos los conciertos.
Al comienzo de la canción se pueden escuchar unas "extrañas" voces distorsionadas de Brian May, que también se pueden escuchar durante la sección de batería de Roger Taylor y al final.
Lo que si es cierto es que estas voces tienen sentido cuando son reproducidas a velocidad normal, se puede escuchar la frase "God works in Mysterious ways... mysterious ways".
Martin Luther King, Jr.
En cuanto a la letra de la canción, se especulaba estaba inspirada en el discurso que dio Martin Luther King, Jr. Al respecto, Roger señaló en una entrevista en 1986: “Las letras originales era acerca de Martin Luther King, Jr., y ahora no tengo una pista sobre qué trata. Alguien dijo que era sobre Bob Geldof, pero no pienso que es así. Ellos cambiaron mis palabras (…) Ese sinvergüenza de Freddie”
La línea final de la canción (en ambas versiones en vivo y estudio) se escucha "Fried Chicken", aunque en la letra de la canción diga "One Vision". Esto se debe a que la banda en algunas ocasiones alteraba las letras de sus canciones para divertirse y calmar la tensión, pero la idea de mantener la línea en el tema fue de Jim Hutton.
Vamos con el significado de la canción. Bueno, pues yo creo que es simple: para mí significa que todos tenemos un mismo punto de vista, un sueño, una ilusión ... Es decir, un mundo ideal que no esté lleno de odio ni amarguras. No sé si estaréis de acuerdo con esto, pero es lo que pienso.
Esta canción es de mis favoritas, la razón es simple: la melodía junto con la letra y su significado hacen que reflexione.
Pues ahora os explico un poco la historia de esta canción.
Send me an angel es de la banda alemana Scorpions, es del año 1990 aunque fue lanzada como sencillo en 1991. La canción está catalogada como power ballad, y es cierto; una balada increíble.
Scorpions, 1990
Dentro del significado de la letra de la canción, algunos han propuesto que es un mensaje de una persona a otra que acaba de fallecer y lo que es para esta última el viaje hacia el más allá, lo que se vería en partes como "Cierra los ojos y encontrarás el pasaje de la oscuridad" o en "Busca las rosas en el camino, solo ten cuidado de las espinas".
Para mí el significado es seguir siempre en nuestra vida los consejos y las buenas enseñanzas de las personas sabias y que nos quieren , así en la vida nos ira bien y creer que todos tenemos un ángel de la guarda que siempre nos acompaña, que nos guía.
Esta canción es perfecta para esos momentos de soledad; de angustia , incluso ... Siempre me anima escucharla, sobre todo en esos momentos en los que creo que nadie está a mi lado.
Vamos con la primera canción del primer disco de Queen, Keep Yourself Alive.
Esta canción está escrita por Brian May, fue lanzada en 1973 junto con la canción Son & Daughter.
De acuerdo a lo dicho por May en un especial de radio, él escribió la letra en una forma irónica y "deslenguada" casi como un chiste, pero su sentido fue cambiado completamente cuando Freddie Mercury la cantó y la adaptó al sonido que experimentaba Queen en esos tiempos.
Esta canción es la que mejor refleja el estilo de vida de la banda en sus inicios. La música aún no les daba suficiente dinero para vivir, por eso tenían que ganarse la vida en trabajos temporales.
Lo que nos quiere decir es que no perdamos el tiempo, que vivamos el día a día y que te conformes con lo que tienes en cada momento, sin hacer caso a los que te dicen cómo tienes que ser y sin importarte lo que los demás esperan de ti.
La banda rápidamente agregó este tema a la lista de canciones en vivo. Mercury comentó que la canción "era una muy buena manera de decirle a la gente lo que Queen era en aquellos días"
Una canción que no conocen muchos, pero que nos trae al Queen setentero, ese que experimentaba música para luego convertirse en una banda exitosa que hasta el día de hoy siguen tan vigente con sus clásicos y discos que dejaron como legado.
"Get It While You Can" es una canción de la cantante estadounidense Janis Joplin que fue incluida en el superventas "Pearl", el famoso disco póstumo de esta talentosa artistas que enmarcó el movimiento hippie de finales de los 60's con su rasposa pero poderosa voz que la dejó entre las voces mas emblemáticas dentro de la historia del rock.
Esta canción nos habla sobre darle una oportunidad al amor, y disfrutarla porque la vida es corta y los momentos pueden ser eternos.
Varios historiadores de la vida de Janis concuerdan en que la artista tenía un punto de vista muy claro sobre toda esa filosofía de la contracultura de la juventud de finales de los 60's y también era muy critica ante ciertas actitudes de algunos "hippies". Por ejemplo, semanas antes de entrar a grabar esta canción, en uno de los tantos conciertos que hizo por Estados Unidos, Janis escuchó decir a uno de la banda que la policía simplemente eran unos "cerdos" que abusaban del poder. Ante eso, Janis se paró de su asiento y le interrumpió el discurso al jóven semi-rebelde diciéndole en un tono dulce y a la cara: "Son policías, sólo son personas que deben hacer su trabajo, cariño. No le llames cerdos, eso sólo empeora las cosas ". Eso resume la postura de Janis, una anarquista sin violencia, sino que con dialogo, con mensajes, con ideas claras. buscaba cambiar el mundo.
En las sesiones de grabación, Janis se mostraba vital, alegre, motivada, arreglaba las canciones a su modo, les decía lo que tenía que hacer la banda, la pasaba bien en el estudio.
Pero por dentro, Janis estaba deteriorada, en especial por problemas sentimentales (dado el término de su relación con George Niehaus) y su recaída en la heroína que la llevó nuevamente al abismo. Por eso, este disco fue la medicina perfecta, o quizás el momento dado para sacar todo afuera, para ponerle a cada canción un sentimiento verdadero, un pedazo de vida y en "Get It While You Can" toda esa energía se libera para dar paso al punto final de un disco que no pudo tener promoción, dado que cuando estaba a punto de cumplirse un mes de las grabaciones, específicamente un 4 de Octubre de 1971, se supo que la voz de Janis Joplin se apagaba y que su leyenda se hacía eterna. Tenía sólo 27 años y quedaba claro que sería, es y será una leyenda.
Stand by me es una canción que hace días tenía en mi cabeza, sobre todo en una semana horrible que tuve.
Pues os voy a dar mi punto de vista de esta canción.
Esta canción es de 1961 y está interpretada por Ben E. King, en realidad es una adaptación de un tema gospel al que quisieron dar un toque más actual.
Muchos artistas la versionaron, pero ninguno de ellos obtuvo un resultado tan notable como John Lennon en 1975, quién incorporó unos acertados arreglos musicales y consiguió dotarle de un una personalidad propia.
El tema de la canción es tan simple, solo quiere decir que te quedes a mi lado en todo momento, que confíes en mí.
Siempre le dedico esta canción a mis amigos, pero ellos no deben de saber el verdadero significado. Os dejo la letra y el vídeo.
Disfrutar de ello.
Mother Love, un tema especialmente triste de mi banda favorita Queen.
Se me hace duro hablar de ello, así que creo que la coherencia la dejaré de lado.
Empecemos ...
Mother Love es una canción escrita por Freddie y Brian; un dato que podemos sacar es que Freddie grabó la parte vocal sin saber como iba a ser la melodía. Uno de los productores dijo: "Lo que fue realmente inusual acerca de este tema que se grabó fue que Freddie insistió en hacer la parte vocal final. Normalmente él siempre esperaba hasta que toda la música estuviera completada, antes que él grabara su parte vocal. Debe haber habido una razón para ello. Pienso que él sentía que no había tiempo suficiente para tenerla terminada a tiempo. Lo cual significa que definitivamente él quería que este material fuera lanzado. No hay otra razón por la cual él lo hizo de esa manera" ... Esto fue dicho por David Richards en el documental Champions of the world.
Como muchos Queenies sabemos, Freddie nunca llegó a cantar la última estrofa, no hace falta que diga el porqué.
La última estrofa está cantada por Brian, y todos al llegar esa parte es cuando empezamos a llorar.
Freddie se ha ido.
Al final de la canción podemos escuchar un collage con trozos de varias actuaciones, como One Vision, Freddie con su mitico "Eeeero" en Wembley , parte de Tie your Mother Down, dejando para el final Going Back, la primera canción de Larry Lurex (Freddie) grabada en un estudio y el llanto de un bebé.
Por motivos más que obvios, este tema nunca fue interpretado en vivo por la banda, ni tampoco Brian y Roger la incluyeron en sus giras solistas, ni con la alianza Queen + Paul Rodgers. Probablemente, siendo un tema tan vinculado especialmente a Freddie, es mejor que quede en la memoria de los fans.
¿Qué mas puedo decir? Ya se me saltan las lágrimas, solo el pensar que Freddie cantó hasta el final con las pocas fuerzas que le quedaban ya hace que me emocione.
I don't want to sleep with you
I don't need the passion too
I don't want a stormy affair
To make me feel my life is heading somewhere
All I want is the comfort and care
Just to know that my woman gives me sweet -
Mother love ah ha
I've walked too long in this lonely lane
I've had enough of this same old game
I'm a man of the world and they say that I'm strong
But my heart is heavy, and my hope is gone
Out in the city, in the cold world outside
I don't want pity, just a safe place to hide
Mama please, let me back inside
I don't want to make no waves
But you can give me all the love that I crave
I can't take it if you see me cry
I long for peace before I die
All I want is to know that you're there
You're gonna give me all your sweet -
Mother love ah ha (mother love)
My body's aching, but I can't sleep
My dreams are all the company I keep
Got such a feeling as the sun goes down
I'm coming home to my sweet -
Mother love
(Mother love mother love love love love love)
God works in mysterious ways
Eeeero, eeeeero, eerero
I think I'm goin' back to the things I learnt so well in my youth
Solo digo: escuchar y amar esta canción, pues Freddie así quiso que fuera.
Hoy voy a hablar de dos estupendas canciones; ambas de Queen y genialidades escritas por John Deacon.
Pues empecemos.
ANOTHER ONE BITES THE DUST
"Another One Bites the Dust" fue lanzada en 1980 y forma parte del álbum The Game. Esta canción con ritmo "funky"se convirtió rápidamente en el éxito más grande de Queen con ventas internacionales de casi siete millones de copias.
La canción tuvo su inicio en las sesiones de grabación que era producidas por Reinhold Mack en los estudios Musicland en Munich (Alemania) y consistió simplemente en un demo hecho por una "jugarreta" de John Deacon donde interpretaba todos los instrumentos: bajo, piano, caja de ritmo y la guitarra solista.
Luego el baterista Roger Taylor añadió un loop de batería y Brian May contribuyó con algunos efectos hechos con su guitarra y teclados.
El significado de esta canción pues bien simple, que alguien más caerá; que nadie se libra del golpe que viene.
En un principio la canción no sería incluida en el álbum, ya que los integrantes de Queen no la consideraban "lo suficientemente buena" y además no pensaban lanzarla como single hasta que el mismísimo Michael Jackson (segun palabras de May y Taylor) les dijo que estarían locos sino lo hacían y como si el rey del pop fuera profeta la canción fue un gran éxito para la banda y su primer número uno en Estados Unidos, básicamente porque algunas emisoras de radio creían que era un grupo de color.
Se dice que la línea de bajo fue inspirada de la canción "Good Times" del grupo "onda disco" Chic. De hecho en una entrevista con la revista New Musical Express, el co-fundador de Chic, Bernard Edwards declaró: "... el estilo de ese disco de la banda Queen viene porque el bajista Deacon estuvo grabando durante algún tiempo con nosotros en nuestro estudio".
Pero la canción aparte de ser un exitazo para la agrupación liderada por Freddie Mercury, también se le atribuye una leyenda urbana en torno al coro, ya que dicen que si se toca al revés la cinta, se puede escuchar la frase "Es divertido fumar marihuana". A raíz de eso un portavoz de la banda emitió un comunicado negando tal mensaje.
Debido al éxito que tuvo la canción es que Queen abandonó su estilo típico de rock duro y experimentación con sonidos hasta occidentales para dar paso a uno más pegado hacia el Disco o el Dance, y el resultado de esto fue el criticado álbum Hot Space, que a mí me encanta igual.
Os dejo que disfrutéis de esta canción llena de funk.
I WANT TO BREAK FREE
Famosa canción de Queen lanzada en 1984. Escrita por Deacon, y yo tengo como una teoría: es muy probable que la inspiración para escribir la letra la sacara de su propia situación personal. Es decir, John se casó a una edad muy temprana y formó una familia numerosa, junto a su mujer Verónica. Siendo joven, Deacon supo que era el matrimonio, los hijos y todo lo que conlleva; en fin, es comprensible que escribiera un himno a la libertad.
Esta canción nos habla de la libertad, de las ansias de ser libre, de no estar encadenado a una pareja, de vivir en la propia libertad. Aunque, por el contrario y mostrando una duda, el autor dice sentirle miedo a la soledad.
Muchas veces he oído que esta canción habla de la homosexualidad de Freddie debido a la letra y al videoclip, pues la letra es de John Deacon y la idea del vídeo fue de la mujer de John, proponiendo la parodia de una telenovela.
En cuanto al famoso y excéntrico videoclip que acompañó a esta canción para su promocion en las cadenas de televisión, se convirtió en uno de los más recordados de la banda. En este vídeo podemos ver a los integrantes de la banda haciendo una parodia a una telenovela británica de la época llamada "Coronation Street" donde aparecen vestidos de mujer. De esta manera empieza el videoclip: recreando una escena de la vida cotidiana de una familia de este barrio, hasta el punto de giro en el cual Freddie abre una puerta que nos lleva a un extraño lugar oscuro, en lo que parece ser una mina de carbón en donde vemos al grupo rodeado de fans haciendo de mineros guiándonos con su luz hacia... ¡La libertad!
La libertad viene representada por Freddie acompañado por el Royal Ballet de Londres, interpretando una pieza conocida como “L`Après-midi d´un Faune” (La siesta de un Fauno). Espectacular adaptación que hizo Freddie de esta fantástica obra. Una vez más, nos demuestra su exquisito gusto hacia las artes; una vez mas, Freddie, elije perfectamente, nunca al azar, lo que quiere transmitirnos en cada vídeo.
Eligió esta pieza siendo consciente de que en el estreno de la misma se había causado muchas críticas negativas, ya que el tipo de ballet que se interpretó rompía con los moldes del ballet clásico que se hacía hasta la fecha. Rompía con la rigidez de las formas en la danza clásica. Otro símbolo de libertad. Por eso escogió este ballet y no otro. Freddie se quitó el bigote para parecerse más a Nijinski. Vemos como se caracteriza de Fauno, personaje principal de esta obra. “El favorecedor” (Fauno) en la mitología romana es una de las divinidades más populares y antiguas. Fue adorado en dos roles diferentes: uno como dios de los campos de los pastores y, también, como una divinidad oracular y profética. Con su baile nos lleva a un estado de libertad absoluta.
A causa del detalle de vestirse como mujeres, el video fue censurado por MTV en los Estados Unidos, lo que causó que Queen no incluyera a ese país en el The Works Tour que fue su gira de promoción para el disco. Aunque en 1991 MTV dio el video en sus pantallas en Estados Unidos, casualmente coincidiendo con el fallecimiento de Freddie (notese la ironía)
Como dato extra, podemos mencionar que a finales de la década de los 80's esta canción se convirtió en un himno para el CNA de Sudáfrica cuando Nelson Mandela todavía estaba en la cárcel.
Bueno, esto es todo lo que tenía que decir de esta canción, creo que me he pasado un poco redactando; pero es más que una simple letra o un simple vídeo, pensarlo bien. Y ahora os dejo el vídeo para que lo disfrutéis.
Innuendo es una canción que dura exactamente 6:28 minutos, así que se convirtió en una de las canciones más largas del grupo.
Con respecto a la composición, Innuendo fue elaborado como un rompecabezas, o sea pieza por pieza y encajando cada melodía. Todo comenzó en una Jam Session entre May, Deacon y Taylor, a la cual Mercury agregó la melodía y parte de la letra (que después fue completada por Roger Taylor).
Innuendo nos habla de nuestra realidad, que aunque hayan desgracias en el mundo, aunque todo lo malo ocurra nos mantendremos intentando, hasta que hayan estrellas en el cielo, hasta que dios o alguna fuerza superior lo desee. Me encanta esa canción es tan real, bueno las canciones de Queen tenían esa peculiaridad de transmitir mensajes profundos. Innuendo significa insinuación, quizás lo llamaron así porque estaban diciéndonos como era nuestra realidad, como íbamos a mantenernos hasta el final de los tiempos
habla sobre las cosas que afectan a la humanidad, tanto de la naturaleza como de la humanidad misma (tradiciones, supersticiones, falsas religiones), y que sin embargo seguimos intentando (oh yes, we'll keep on trying), a pesar de todo.
En fin, lo que nos hace la canción es la de liberarnos, de olvidarnos de nuestro egoísmo, que podemos ser lo que queramos, de ser libres para nosotros.
En general, es una canción de motivación, de incitar a la libertad de acción y pensamiento, y olvidarnos de todas esas cosas que tanto dañan a la humanidad. Y además, musicalmente, es una joya, con todos esos cambios de ritmo, la guitarra española a manos de Steve Howe, el grandioso solo de guitarra de May, la voz de Freddie ...
Como toda canción, se grabó un videoclip para promocionarla, el cual es muy elaborado ya que incorporaba figuras de plastilina similares al arte de la cubierta del álbum. Los miembros de la banda aparecen únicamente como ilustraciones e imágenes tomadas principalmente de videos anteriores de Queen (como por ejemplo delas canciones The Miracle, Scandal, Breakthru, The Invisible Man y I Want It All), en la pantalla de cine que compone el decorado, Mercury aparece dibujado en el mismo estilo de Leonardo da Vinci, May en el estilo de los aguafuertes victorianos, Taylor en el estilo de Jackson Pollock y Deacon en el de Pablo Picasso.
Para finalizar, puedo mencionar que la "versión explosiva" de la canción incluye un sonido similar al de una bomba atómica, luego de que Mercury canta "til the end of time".
En honor a mi amiga (que le puse esta canción y le encantó) hoy voy a hablar de una canción que tengo en mi cabeza durante unas semanas; se trata de Drive My Car de The Beatles, que se lanzó el año 1965.
"Drive My Car", una canción escrita casi en su totalidad por Paul McCartney, pero que finalmente fue firmada junto a John Lennon. Esta canción, que habla sobre una chica que quiere ser una estrella de cine y que que quiere un hombre que sea su chófer y además sea su objeto sexual, quedó como una de las mejores canciones dentro de este nuevo estilo de la banda, donde ya estaban dejando de lado la inocencia del "Yeah,Yeah" para empezar con letras mas oscuras o con una que otra historia que incluso llegaron a generar polémica.
El encargado de la letra fue McCartney, quien en la versión original había puesto la frase "You can give me golden rings". Pero cuando la banda empezó a ensayar esta canción en el estudio de grabación, fue Lennon el primero en criticar en especial esa frase, y la calificó sin tapujos como "una mierda". Por esa razón ambos acabaron reemplazándola por la frase "You can drive my car", la cuál calzaba a tono con la canción.
Con el paso de las semanas, no faltaron los periodistas conservadores y cartuchos que le dieron como bombo en fiesta a la letra debido a que contenía ciertas connotaciones sexuales en algunas de sus frases. En el libro de Miles, McCartney dejó en claro que la idea de crear una canción con toques sexuales,siempre estuvo presente y que en esta canción salió a la luz. ""Drive My Car" era un eufemismo sobre el blues y la El humor negro era nuestra salida y eso salvó el día. Entonces escribimos esto. Me parece que muy a menudo, una vez que llegue la buena idea, las cosas hay que escribrirlas" señaló McCartney .
Cada vez que escucho esta canción no me la quito de la cabeza durante días, es perfecta; como todas las canciones de The Beatles.
Hay tantas cosas de que hablar sobre esta canción, así que empecemos ...
Esta canción es originalmente de The Platters del año 1955. Algo increíble, y como dato curioso, de esto es que en el Single de esta banda tiene el sello Mercury.
La canción tiene el mismo ritmo, música y letra que la que conocemos de Freddie.
Aquí tenéis la canción original, disfrutarla.
En 1987 Freddie popularizó de nuevo esta canción, y la verdad es que se le dio bien.
¿De que habla esta canción?
Pues es muy simple, habla de que en realidad somos unos farsantes, que nos gusta fingir que todo va bien cuando no es así. que siempre hay que mantener esa sonrisa aunque por dentro estemos rotos ...
¿Y esto no es cierto? pues claro que sí; puede que no todos, pero la mayoría lo hacemos. Siempre con una sonrisa en la cara, fingiendo estar bien, que no te ocurre nada.
Triste, pero verdad.
Yo hubo un tiempo que me sentía así, así que todos en el fondo de nuestras vidas somos unos Great Pretenders.
Lo que hizo que esta canción fuera más interesante fue el vídeo de promoción.
En el vemos a un Freddie que se afeita el bigote, y también a un Freddie y a un Roger vestidos de drag queens .
Creo que este vídeo es genial, se muestra a Freddie tal como es; tal y como se mostraba en los escenarios, porque como sabemos detrás de Freddie Mercury se escondía Farrokh Bulsara, un hombre familiar y tímido.
Espero que os guste y que lo disfrutéis.
Y vosotros elegís, que prefieren: ¿la canción original de The Platters o la cover de Freddie Mercury?
Angie, esa preciosa balada de The Rolling Stones, pues de eso voy a hablar; pero poco debido a que la banda guarda muy bien el secreto de esta canción.
Hay muchas versiones acerca del origen de la canción, la más común es que este tema fue escrito por Jagger para la esposa de David Bowie, Angela.
Aunque también se asocia a Bowie como destinatario, ya que la propia Angie aseguró haber encontrado en la cama a su marido con Mick. Así que la pregunta es:
¿Quién es la auténtica ‘Angie’?
La respuesta a este interrogante no la tiene Mick Jagger, sino Keith Richards, el principal artífice de la canción. Así recuerda el guitarrista en sus memorias cómo se le ocurrió el tema mientras estaba tratando su adicción a las drogas:
“Yo estaba en la clínica y Anita, un poco más abajo, en la misma calle, trayendo al mundo a nuestra hija Angela. Una vez que pasó el trauma habitual de los primeros días, agarré una guitarra que tenía y escribí ‘Angie’ sentado en la cama en una tarde, porque por fin podía mover los dedos otra vez y ponerlos donde se suponía que iban, y ya no sentía que me tenía que cagar en la cama o subirme por las paredes ni estaba frenético. Así que empecé a cantar ‘Angie, Angie’. No era sobre nadie en particular, no era más que un nombre, podía haber sido ‘ooooh, Diana’, de hecho no sabía que Angela se iba a llamar Angela cuando compuse ‘Angie’. Entonces no se sabía el sexo del bebé hasta que nacía; lo que es más, Anita le puso Dandelion… Solo le cayó Ángela de segundo porque nació en un hospital católico donde insistieron en que se añadiera también un nombre ‘como es debido’. En cuanto creció un poco, la propia Angela dijo: ‘No me volváis a llamar Dandy en la vida’”.
Así que ese es el significado de la canción, no hay que darle más vueltas ...
Hay que reconocer que esta balada es preciosa dependiendo de cual sea su significado real. Eso sólo lo sabe Keith Richards.
Cada vez que suena esta canción de The Rolling Stones la canto de principio a fin, así que espero que la cantéis conmigo.
Yo siempre he dicho que el significado de una canción es de quien la hace suya, el compositor puede pensar en algo al escribirla y las personas darle un sentido completamente distinto. En muchas canciones el significado está implícito, en otras hay que buscar la retórica, las metáforas, e incluso el doble sentido. Creo poder entender el significado de la canción, por supuesto que me sé la historia oficial. Interpretada por Pink Floyd y dedicada a su otro líder Syd Barret, quien envuelto en la locura de su propio mundo nos quiso compartir un poco, pero nosotros simples caminantes, no lo supimos entender. Creo poder explicar la leyenda que corre alrededor de esta canción. Dentro de los históricos estudios Abbey Road y mientras Roger, David, Rick y Nick grababan esta canción, Syd apareció queriendo reintegrarse a “su grupo”. Los muchachos en una muestra de egoísmo mezclada con profesionalismo, le dijeron que ese ya no era el suyo. Pero como he dicho antes, cada uno le da su propio significado. Para mí, cada vez que la escucho pienso en esa leyenda del rock que es mi inspiración, el gran Freddie Mercury. Sí, claro que me gustaría que estuvieras aquí, porque supongo que sabes diferenciar el cielo del infierno, el cielo azul del dolor, el verde campo por los rieles de acero fríos, sabes diferenciar una sonrisa de un velo, saber que cambiaste un papel secundario en la guerra, por uno protagonista en una jaula, sólo somos dos almas perdidas nadando en la misma pecera, año tras año, corriendo sobre el mismo lugar para encontrarnos con los mismos miedos de siempre, suplico porque estuvieras aquí para que me explicaras, me sacaras de una duda cuáles eran los que yo te ofrecía. How I wish you were here ...
¿Cómo
surgió Barcelona, la famosa canción de los JJOO de 1992?
La
historia es un poco larga, así que empecemos…
A
Freddie siempre le fascinó la ópera y cuando podía se iba a ver una función; en
una de ellas en el Covent Garden, en el
acto 1 escena 2, apareció una voz que lo fascinó, esa voz pertenecía a
Montserrat Caballé.
A
Freddie se le pasó algo por la cabeza, pero no fue hasta 1987 dónde tomó un
avión hacía Barcelona para conocer a esa gran mujer.
Al encontrarse con ella, Freddie le dio un casette con varias demos, entre ella
“Barcelona”. A Montserrat le enmcantó aquella melodía y decidió grabarla a dúo
con Freddie.
La experiencia y la amistad que crearon en ese tiempo dio lugar a un disco con
varios temas cantados por ellos.
Sobre
ello, Freddie dijo a la prensa inglesa: “ Este último par de semanas he estado
trabajando con esta increíble mujer, su nombre es Montserrat Caballé, ella
viene de Barcelona y me llamó y me dijo que le gustaría cantar conmigo, yo me
caí de espaldas y pensé ‘Oh, Dios Mío’, pero la adoro desde hace años, y creo
que se dio cuando viajé recientemente a Barcelona y en un programa de
televisión me preguntaron y yo dije bueno ella es la mejor cantante del mundo y
me encantaría poder cantar con ella, así que ella lo debe de haber visto. Llamó
a la oficina y dijo que le gustaría hacer cosas”
Algo
que se aprende de los documentales (The Great Pretender) es que Freddie solía llamar a Montserrat
Caballé, Montsi.
Otra cosa que me partió el alma es que en ese documental,
Montserrat dice: “Un día en el estudio, vi dos vasos de champagne; yo quería
coger uno y él me dijo ‘este no, el otro’ y le dije ‘lo siento, no sabía que
habías bebido de el’, y le quise dar dos besos como todos los días –muak muak-
¿sabes?. Y él me dijo ‘No, no me beses
nunca más’ y pensé ‘¿Estas enfadado?’ porque no lo comprendía; y Freddie me
dijo: ‘ No, pero Montsi soy seropositivo y no quiero darte un beso’ y le dije
‘Pero te ves bien, y eres fuerte y cantas fenomenal’; y él dijo ‘Si, ahora,
pero vendrá un día que no podré jamás”
Esas
palabras y la expresión de Montserrat hacen que se te rompa el alma.
Cuando
todos esperaban el resultado de la mezcla de las voces de una diva de la ópera
con una de las mejores voces del rock, un 8 de Octubre de 1988 Freddie y
Montserrat aparecieron en un concierto al aire libre en Barecelona
interpretando la canción con el mismo nombre de la ciudad y otras dos
canciones: How Can I Go On y The Golden Boy.
Dado el
éxito de la canción el comité olímpico decidió que esta sería la canción de los
Juegos Olímpicos de Barcelona ’92.
La
apertura de los juegos iba a ser interpretada por ambos, pero por desgracia la
voz de Freddie se apagó un 24 de Noviembre de 1991.
¿Deberían
de hacerla igual?
Tal
como diría una canción de Queen, Show must go on.
Y fue
por lo que Montserrat interpretó esta canción
acompañada de la voz de José Carreras.
Pero la
televisión no se olvidó de Freddie, y pusieron el vídeo de Montserrat y Freddie
interpretando esta hermosa canción.
Muchas
veces me cabreo con la gente que dice, “¿cómo puede ser que Freddie cantara eso
si estaba muerto?” … La gente no sabe
pensar las cosas, en serio.
Esta
canción es un himno, y algo que nunca se había escuchado en la vida,
Ópera-Rock.
Es una canción hermosa, y que sin lugar a dudas; dónde Freddie demuestra que sus
dotes musicales no tenían limites.
Hoy como tantas otras entradas voy a hablar de una canción de Queen y esta es ...
Seaside Rendezvous que fue incluida en su cuarto álbum titulado A Night At The Opera, publicado en Diciembre de 1975 y considerado como el trabajo musical más exitoso de esta banda.
Este disco contenía uno de los trabajos en producción más elaborados, donde cada integrante de la banda se dio el lujo de arreglar el más mínimo detalle de cada canción, obteniendo como resultado un disco clásico, lleno de canciones emblemáticas y que con el tiempo quedó como uno de los discos mas influyentes del Rock.
Dentro de este llamativo disco encontramos una pieza musical escrita por Freddie Mercury llamada "Seaside Rendezvous" y que es un homenaje al Foxtrot con un aire de blues, un estilo musical marcado por un baile muy particular que fue furor en los años 20-30.
Con una letra simple y correcta esta canción trae a la mesa una década muy marcada por las crisis económicas, varias guerras y con el descubrimiento del Nylon, en donde Freddie omite esos detalles hablando sobre una pareja de enamorados que olvida todo lo malo pasando un buen fin de semana en una playa.
Hasta ahí la canción no parece ser tan llamativa, pero al momento de grabarla vino la verdadera diversión. Es que el productor tuvo que sudar la gota gorda al trabajar con un Freddie Mercury muy inspirado que en vez de contratar un grupo de músicos para que tocaran los bronces decidió hacer esos sonidos por su cuenta y sin instrumentos, sólo ocupando efectos de voces.
Kazzo
Para ello, el vocalista junto al baterista Roger Taylor se pararon frente al micrófono y empezaron a crear diversos juegos de voces donde imitaban sonidos de instrumentos de viento como tubas, trompetas, clarinetes y hasta un Kazoo (es como una turuta). El proceso de grabación de esta sección de la canción no fue nada de fácil, ya que Mercury buscaba la perfección absoluta y no quería perder ningún detalle.
El resultado final de esta rara experimentación musical, se puede escuchar a partir de los 53 segundos y se pueden dar cuenta que la mezcla quedó perfecta.
Luego de grabar los vientos, la banda se puso manos a la obra y empezó a grabar la canción con sus respectivos instrumentos, donde Freddie destaca por su gran interpretación en voz y en piano. El resultado final fue una canción impecable, con toda la genialidad de Mercury impregnada en cada detalle, lo que la hace una pieza de alto calibre musical. A pesar de no ser una de las canciones clásicas de esta banda, esta canción merece ser reconocida no por una pieza de relleno para el disco sino como una canción donde se dieron la libertad de experimentar y jugar en el estudio de grabación, aprovechando que su sello les había dado un buen cheque.
Queen, en este disco, dejó muy en claro que no eran una simple banda de Rock y que sus ideas musicales iban mas allá de riffs y terribles solos de batería. En A Night At The Opera lograron una identificación musical marcada por detalles tan notables como la experimentación con el Music-Hall y el uso de efectos sonoros en la voces ,que fue muy necesaria para dejar la marca Queen por toda una eternidad.
These Are the Days of Our Lives canción de la banda Queen, que fue lanzada como single un 5 de Septiembre del año 1991 sólo para Estados Unidos. Mientras que el 9 de Diciembre de ese año, y tras el repentino fallecimiento de su vocalista (y corazón de la banda) Freddie Mercury, fue publicada oficialmente en el Reino Unido.
Además, esta emblemática pieza estaba incluida en "Innuendo" (1991), el último disco que grabó la banda con su formación original y con Freddie en vida, y que forma parte de la despedida de la banda con un tracklist espectacular que mezcla la energía rockera con pedazos de nostalgia sobre el futuro que en ese entonces era muy incierto tanto para el vocalista como para el resto de los muchachos.
Dentro del llamado a la nostalgia, aparece la pluma de Roger Taylor con una de las piezas mas notables, y que marcaba el retorno de Queen a los charts norteamericanos, donde ya estaban algo perdidos. La canción era una balada llamada "These Are the Days of Our Lives" que habla sobre momentos inolvidables del pasado y que también pone pie firme en el futuro que no se venía con buenos vientos en esos días, a causa del estado corporal y anímico del siempre energético Freddie Mercury que se animó (como buen amante del teatro y las novelas francesas) a cantar esta canción como si fuera su mensaje final, su repentina despedida con un "hasta luego, muchachos".
En esta canción Taylor habla sobre los momentos que vivió junto a los amigos y quizás marcado por todos los viajes en medio de la carretera del rock junto a Queen. El paseo por la nostalgia hace que esta pieza tome un significado muy profundo, y en especial cuando semanas antes de su muerte, un debilitado Freddie Mercury anunciaba al mundo que tenía SIDA, acallando a muchos periodistas que ya corrían el rumor de manera casi poco profesional inventando muchas cosas hablando simplemente demás. En ese momento, la canción tomó otro tono, y los fanáticos la tomaron como la despedida que era, y que simplemente fue hecha como a Queen le gustaba: Regalando música.
Musicalmente la canción es una joya, como todos los clásicos de esta banda que empezó su carrera en los 70's.
Muchos creen, y por culpa del reconocido videoclip, que Taylor es el encargado de las congas en la grabación, pero realmente el que tocó ese instrumento de percusión fue el productor David Richards, mientras que el autor de la canción simplemente se dedicó a grabar las partes de batería y la programación de los teclados. En la parte intermedia y en la final, el astrofísico May aparece con su Red Special y se despacha un depurado riff lleno de lamento y a la vez muy emotivo y para algunos incluso desgarrador con un efecto especial.
La parte vocal vocal muestra a Mercury en pleno, quien repite dos veces la frase "I Still Love You", quizás con referencia a su clásica y emotiva pieza "Love of My Life", la cuál era el momento especial de los shows con la banda ya que la cantaba a pura guitarra acústica junto a su publico en los conciertos para luego regalar rosas sin espinas.
El emotivo videoclip fue filmado el 30 de mayo de 1991 en los estudios de DoRo Productions y estuvo a cargo de Rudi Dolezal y Hannes Rossacher. En esa ocasión estuvieron presentes en el estudio Mercury, Taylor y Deacon, mientras que el guitarrista May se encontraba fuera del país promocionando el disco Innuendo y tuvo que grabar su participación una semana después.
El vídeo fue grabado en blanco y negro a petición de la banda para no resaltar de manera tan fuerte el estado de salud de Freddie , quien ya se notaba muy delgado y debilitado en esos días a causa de la dura enfermedad. También fue tomada esa decisión para no darle tiempo a los periodista para que empezaran su tormenta de publicaciones falsas, puesto que en esos días molestaban a mucho Freddie inventando cada cosa sobre enfermedad lo cuál tenía muy enfadada a la banda.
Para Estados Unidos, el videoclip fue adornado con unas animaciones hechas en los famosos estudios Walt Disney. Mientras que la versión europea del videoclip no contiene esas animaciones y es conocida como la versión "limpia".
Sinceramente, no hay Queenie a quien no le estremezca este tema por lo que representa en la historia del grupo. Recuerdo la primera vez que escuché esta canción me gustó bastante esta balada por su ritmo suave y su hermosa melodía.
Pero si hay una razón por la cual, los fans le guardan un enorme cariño a esta canción es por su videoclip. Recuerdo la primera vez que ví unas breves imágenes de este vídeo, fue chocante ver a Freddie tan delgado y con un semblante notoriamente acabado. Pero sin duda, fue algo que requirió demasiado valor y valentía por parte de Freddie para tomar la decisión de filmar ese vídeo. Quizás cualquier otro en su lugar se hubiera ahorrado esa molestia y ni hubiera aceptado filmarlo. Fue una manera de Freddie de expresar que a pesar de la cruel enfermedad, él seguía de pie y además fue su clara despedida al final del vídeo.
En el documental “Champions Of The World”, Brian señaló claramente: “En el video de ‘Days Of Our Lives’, es claramente Freddie diciendo adiós”. Y en la carta que Brian, Roger y John publicaron en un magazine especial poco después de la muerte de Freddie, se indicó que para este video, Freddie apenas podía estar de pie y le había costado mucho estar parado filmando este video. Al respecto, en el documental "Days Of Our Lives", Roger dijo: "Puedo oir que la voz se vuelve débil. Creo que puedes decir que es una voz enferma, aunque alcanza las notas. Se veía tan enfermo allí. Fue muy espantoso y pensé que hacer eso fue un acto muy valiente y por que no? tu sabes", Asimismo, Brian agregó: "Pasaba horas y horas en maquillaje, arreglándose para verse bien". Los segundos finales cuando Freddie levanta los brazos y baja lentamente la cabeza, mira la cámara fijamente, se ríe y dice “I Still love You” es simplemente conmovedor y segundos después, con la vista puesta en la cámara hace con el mano su gesto de despedida. Quien no se haya conmovido con este video, simplemente es de piedra o no es fan. Así de simple.
En fin, estamos frente a una canción emotiva, que llama a reflexionar sobre la vida y lo corta que esta puede ser si no se disfruta cada momento como si fuera el último junto a los seres queridos.
Es Queeen, es leyenda pura...
Han transcurrido más de 20 años de esta muy bella canción y sigue muy viva en el corazón de los Queenies por su sentimiento y su significado, pero sobre todo, porque representó el adios de una leyenda, el adiós de el gran Farrokh Bomi Bulsara.
Aquí tenéis el enlace para ver el vídeo, debido a que todos los que pongo directamente no se ven.
Hoy le toca a Queen (como no) con el álbum Jazz, las canciones son Bycicle Race y Fat Bottomed Girls.
BICYCLE RACE
Bicycle Race está incluida en Jazz, el séptimo disco de esta emblemática agrupación que dejó un gran aporte al Rock de verdad.
Jazz es uno de los discos más interesantes de esta banda inglesa, ya que contiene melodías muy potentes y clásicas, demostrándole a todo el mundo que su talento iba más allá de lo que decían los críticos en diversos medios de comunicación. Dicho disco contiene toda la magia musical que tanto caracterizaba a esta banda inglesa en los 70's, y es considerado uno de sus trabajos mas interesantes, ya que experimentaban diversos estilos musicales que viajaban desde el Rock mas potente hasta baladas con ciertos sonidos de la India, pasando por unos blues y una improvisación vocal que dejaba los pelos de punta a su fans
Freddie y compañía quedaron muy a gusto con esa fórmula de promoción y en plena grabación de "Jazz" se empeñaron en escribir dos canciones que fueran todo un éxito y marcaran esta tendencia positiva, en cuanto a ventas.
Asi fue como en Julio del año 1977, en medio de una gira junto a su banda por Francia, el vocalista Freddie Mercury se dió un tiempo para ir a observar el famoso Tour de Francia en Niza. Tras observar y vibrar con ese espectáculo deportivo, Mercury llegó a su habitación de Hotel y empezó a escribir una canción que hablara sobre bicicletas.
Bajo una interesante cortina musical, donde Freddie demuestra todo su talento como compositor de buen Pop, la canción se pasea en frases muy irónicas que incluyen a varios personajes y episodios históricos de los 70's, como: Star Wars, Watergate, Peter Pan, Frankenstein, Superman, Vietnam entre otros detalles.
Tras escribir esta canción, Freddie decidió promocionarla con algo que llamara la atención y su idea fue bien criticada, pero a la vez llamó la atención de los medios.
Resulta que el vocalista de Queen llamó al director Dennis de Vallance y le dijo que quería que la canción tuviera un videoclip marcado por una vuelta ciclística de féminas pero sin ropa, o sea a "potope".
Con esa idea en mente, el director citó a 65 modelos a que se sacaran la ropa y se subieran a sus bicicletas (arrendadas especialmente por la banda) para empezar una carrera dentro del Wimbledon Greyhound Stadium. Mientras las hermosas chicas corrían en sus bicicletas, Dennis de Vallance grababa esas imágenes que quedarían en la historia de los más polémico del Rock. Habéis de saber que la banda nunca estuvo en el rodaje, así que no tuvieron la oportunidad de ver esas bellezas.
Escena del vídeo de Bicycle Race
Pero esta artística y loca "performance" no fue muy entendida por el sector conservador de Inglaterra, quienes al enterarse de los que había hechos la banda empezaron a protestar y entablar querellas ya que se habían pasado de la raya...
Queen no lo podía creer, ya que en esa semana, y por culpa de su canción y el vídeo, hubo varias protestas e incluso la empresa que había arrendado sus bicicletas decidió no recibir las bicicletas usadas en esa ocasión admitiendo que eso era algo "poco higiénico". ¿Que haría Queen con tantas bicicletas?
La cosa reventó cuendo salió el single ( en cuya cara A estaba "Fat Bottomed Girls") y que incluía una foto con las mujeres desnudas sobre sus bicicletas. Con ese gesto apareció la censura de su casa disquera, que ante las quejas de los sectores conservadores decidió cambiar la portada del single (que incluía a una chica montada en una "bici" pero sin ropa y de espalda) y de paso no incluir esa comentada foto, salvo el caso de los fanáticos que pedían el disco y se les enviaba por correo la oferta original. Pero en las disqueras la censura puso su diente...
Pese a esa polémica, Queen lograba llegar a lo mas alto de los charts en todo el mundo. En Noviembre de ese año la canción llegaba al puesto #12 del UK Singles charts y se mantuvo ahí por casi 11 semanas. Mientras tanto, en Estados Unidos la canción alcanzaba el puesto #24 del Billboard Hot 100, lo que fue muy valorado por la banda.
La misma historia ocurrió en Irlanda, Noruega, Suecia, Alemania y Holanda, quienes se embarcaron muy felices en sus bicicletas y corrieron junto a esta maravillosa pieza musical que nos dejó esta magnífica banda.
¡Que la disfruten!
FAT BOTTOMED GIRLS
El año 1978 fue muy bueno para Queen, ya que la volvían a "romper" en los charts británicos gracias a un single que contenía en su lado A una sorpresa y loca melodía llamada "Bicycle Race", cuya autoría recaía en el vocalista Freddie Mercury. Mientras que en el lado B aparecía una sucia pieza rockera llamada "Fat Bottomed Girls", que estaba firmada por el guitarrista y astrofísico Brian May. Esta última pieza musical puede sonar extraña, más aún si trata sobre un joven que se siente atraído y excitado por las mujeres "rellenitas" de trasero.
En una entrevista con la revista Mojo, de Octubre del 2008, May explica que escribió esta canción "pensando en la actitud que pondría Freddie al cantar para varias niñas robustas... o niños".
En esa misma entrevista, el guitarrista de Queen afirma que escribió esta canción tras escuchar varios reclamos de algunos fans que decían que la banda ya se había vendido a lo fácil del Pop, y que dejaron de lado su faceta rockera y en especial sus canciones subidas de tono.
De ahí sale a la luz pública esta irónica y a veces mal entendida "Fat Bottomed Girls", que con un desafinado pero efectivo riff de guitarra marca una gran diferencia dentro del disco. Dicho riff de guitarra y parte de la estructura melódica tiene un leve parecido a "World on a String" de Neil Young. Pero la canción también cuenta con un detalle muy especial y que está muy ligado a la marca musical de esta gran banda: los extraordinarios juegos de voces. Y para darle en el gusto a los fans, May decidió incluir desde el intro el coro con unas armonías vocales que son notables y que dejan en claro que "Fat Bottomed Girls" no es tan vulgar como lo pintaban los críticos en sus diarios.
Pero la polémica no se quedó sólo en lo musical, ya que también se trasladó a lo externo, específicamente al arte de la caratula del single. Resulta que los chicos de Queen decidieron colocar en la portada una foto de una mujer que conduce una bicicleta completamente desnuda. Como era de esperar, diversas casas disqueras se negaron a vender el single, así que la compañía disquera decidió dar una solución a este asunto pintando sobre el trasero de la dama un atractivo bikini.
Pese a ello, la canción logró llegar al puesto #11 del UK Singles charts y a la casilla #24 del Billboard Hot 100. Mientras tanto en países como Austria, Irlanda, Alemania, Francia y Noruega se reportaba que el single había llegado al Top Ten, y que causaba furor en las radios y en la televisión.
Una canción memorable, que muchos catalogan como "tonta" o como un himno a que la belleza de la mujer no sólo esta en los exterior.
Para mí representa más lo segundo, la belleza es belleza y no importa tu físico.
Mas allá de eso, esta pieza de Rock quedó como una de las canciones mas famosas dentro del repertorio de esta banda que sabía de memoria como escribir una buena melodía.
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